AL VIA LA BERLINALE 2012 - TUTTI I FILM DEL PREMIO TEDDY

Les adieux à la Reine
di Benoït Jacquot
France / Spain 2011, 100 min

Competition (concorso principale)

Versailles, luglio 1789. Cresce l’inquietudine alla corte di re Luigi XVI: le persone hanno un atteggiamento insolente e la rivoluzione è alle porte in tutta la nazione. Dietro le quinte dei palazzi reali si mettono a punto piani di emergenza. Sebbene nessuno creda che questo comporti la fine dell’ordine prestabilito, parlano tutti di fuggire, compresa la regina Marie Antoinette e il suo entourage. Una delle donne al soldo di Marie Antoinette è Sidonie Laborde, membro molto importante della Corona. Consapevole del fatto che il suo piano di fuga potrebbe non avere buon esito, la regina dà istruzioni affinché la ragazza possa salire sulla sua carrozza travestita da regina, mentre Marie Antoniette fuggirebbe dal palazzo di notte senza essere vista. All’inizio Sidonie è orgogliosa di aver ricevuto un simile onore, ma si rende presto conto che la richiesta della sua signora non ha niente a che vedere con l’affetto che sente per lei. Basato sul prestigioso romanzo di Chantal Thomas, il film di Benoït Jacquot ritrae i primi giorni della Rivoluzione Francese visti attraverso gli occhi dei servitori di Versailles. Un dramma storico, a tratti ironico, con l’ambizione di tracciare un parallelo con il presente.

L’isola di Sylt in inverno è un posto gelido, bello e desolato. Sulla spiaggia c’è un giovane uomo, Jesús, che in qualche modo è approdato qui, non si sa come. Cem ha un lavoro temporaneo al clerk’s office cittadino e spera di studiare architettura più avanti. Incrocia Jesús proprio quando quest’ultimo sta per mettere fine alla sua vita mettendosi un sacchetto di plastica in testa. Questo inizio rocambolesco segna il principio di una laconica storia d’amore. Nel suo film, il regista Tim Staffel mostra cosa succede quando una persona con entrambi i piedi ben piantati per terra, famiglia, amici e un futuro già tracciato, incontra qualcuno che non ha niente e nessuno e che non crede più in se stesso. Che cosa ne faranno l’uno dell’altro? Che cosa succederà loro come coppia? Quanta pressione può sopportare la loro relazione? Per quanto riguarda Cem, si rende conto che tutto ciò che aveva sempre desiderato potrebbe non essere più così importante, mentre Jesús, per il quale nulla era più importante, capisce improvvisamente che adesso c’è qualcuno che significa qualcosa per lui e per il quale è importante a sua volta. Un lieto fine quindi? Non proprio! La loro dipendenza reciproca comincia presto a erodere il rapporto di coppia dall’interno.

E’ la stagione dei monsoni Singapore. A Bugis Street, il centro della vita notturna multi-sessuale e della libido incondizionata, un gruppo di persone edonistiche si è stabilito allo strambo hotel dell’amore SinSin. Le vite di questa banda di creature veramente perverse, e polimorfe sono dedicate esclusivamente ai sogni, alla bellezza, al desiderio e al piacere. La sedicenne Lian, arriva dal continente. E’ arrivata in questo microcosmo allegramente isterico per iniziare a lavorare come domestica. Non passa molto perché la ragazzina diventi la mascotte di queste regine della mondanità, coccolata da tutti, in particolare dal sofisticato e misterioso Drago. Diventare grande in questo ambiente turbolento comporta per Lian una buona dose di dolore e di addii per la sua giovane età, ma la porta anche ad una laconica quanto saggia consapevolezza: la vita e l’amore sono proprio come questo hotel: nient’altro che un andirivieni costante.
Il regista Yonfan, uno dei maggiori esponenti del cinema asiatico indipendente, si riaffaccia sul panorama della Berlinale con questa brillante versione restaurata del suo lavoro del 1995. Il cast aveva sollevato un polverone all’epoca. Delineato e fotografato con opulenza, il lavoro è un richiamo al diritto di autodeterminarsi nella vita e in amore.

Il decreto anti-omosessualità che alcuni gruppi religiosi in Uganda stanno cercando di far passare, chiede l’incarcerazione per gli omosessuali giungendo, in "casi estremi", anche la pena di morte. In uno stato in cui il 95% della popolazione accetta la criminalizzazione dell’omosessualità, un gruppo di attivisti queer si sta battendo per impedire che questo disegno di legge venga approvato.
Questo film descrive la vita di David Katos, il primo attivista dichiaratamente gay dell’Uganda, e dei suoi colleghi. La sua è una vita costantemente pervasa dalla paura di subire un attacco, ma è caratterizzata anche da momenti di festa e felicità. Nel film ci sono anche i sermoni sarcastici e colmi d’odio dei fanatici cristiani, ma ci fa conoscere anche il vescovo Christopher Senyonjo, l’unico esponente del clero a porsi dalla parte della vessata comunità omosessuale, offrendo ai gay la sua protezione durante gli attacchi.
Gli eventi prendono una piega tragica quando David Kato viene trovato morto nel suo letto in seguito a un pestaggio. Quando al funerale di Kato il parroco comincia a recitare un odioso sermone anti-gay causando molto frastuono, Senyonjo si fa avanti ancora una volta per dare a Kato una degna sepoltura e per sedare i tumulti della comunità.
In modo cautamente aperto, questo film ritrae un ambiente particolarmente omofobico e denso di fanatismo cristiano, che comunque sta contribuendo a rinforzare la comunità LGTB dell’Uganda.

La diciottenne Angelina lavora in una lavanderia a gettoni ed è determinata a fare qualcosa di importante nella sua vita. Dopo aver risparmiato un po’ di soldi, per aver posato per alcune foto di nudo, usa il denaro messo da parte per sfuggire al contesto trash di cui è parte e dalla famiglia disgregata e scappa così a San Francisco con il suo migliore amico. Dopo aver svolto diversi lavori, scivola lentamente nell’industria pornografica di San Francisco, dove, usando una moniker Cherry, la sua aura di ingenuità mista a sensualità la porta presto al successo e le dà la possibilità di esplorare la propria sessualità. Questa donna, giovane e sicura di sé, deve anche far fronte ai molti pregiudizi che qualcuno ha nei confronti del suo lavoro; un avvocato che vuole "salvarla" finisce per avere problemi di dipendenza. Trova infine un amico comprensivo e partner nel suo regista, che ha problemi simili con il suo amante. In poco tempo, Angelina decide di provare a dirigere il suo film porno.
Nel suo debutto cinematografico, il regista Stephen Eliott crea un ritratto di una giovane donna in cerca di se stessa e del suo posto nel mondo che è privo di falsi moralismi e di voyeurismo approcciando il tema della pornografia con uno sguardo fresco e spassionato.

C’è stato un tempo in cui la bandiera arcobaleno significava qualcosa di più che la promessa di un certo stile di vita. "Detlef" ci riporta indietro nei giorni turbolenti del movimento per i diritti dei gay e getta luce su un capitolo quasi dimenticato della storia tedesca, un momento di cambiamento socio-politico in cui fu combattuta e vinta la battaglia per i diritti fondamentali per gay e lesbiche. Il sessantenne Detlef Stoffel vive con la madre, di 91 anni, bisognosa di cure costanti. Detlef, che non ha molta scelta, spesso pensa che la sua condizione sia restrittiva, frustrante, ma anche stimolante. Ci invita comunque ad esaminare il suo affascinante archivio personale, che rivela un tempo movimentato, emozionante ed esilarante di quando sembrava che i sogni utopici fossero realizzabili. Compagni di viaggio ed altri contemporanei ricordano l’atmosfera di speranza che ha prevalso nel 1972, quando è stato fondato il Stoffel Bielefeld Gay Group, IHB: sono scesi in strada ed hanno pubblicizzato la loro causa. "Detlef" getta uno sguardo riflessivo, laconico e spesso deludente su un’epoca della nostra recente storia.

Piccola ma agile, l’ottantaduenne Maria Schmidleitner sta per trascorrere qualche ora con il figlio obeso Peter (63 anni) in una casa galleggiante nel rurale stato di Brandeburgo. Mentre sono in macchina in autostrada, in viaggio verso la barca, Peter insiste per dare un passaggio ad un giovane autostoppista contro la volontà della madre, ma non appena il giovane interviene sul perenne conflitto tra madre e figlio, viene rapidamente lasciato di nuovo sul ciglio della strada. Appena giunti a bordo della casa galleggiante, la donna fa dei patimenti del figlio le proprie armi e fa innervosire Peter con le sue continue domande sulla sua pressione sanguigna e sui suoi livelli di glucosio. Ma tutto ciò che Peter desidera è il suo amore. Il coming out tardivo di lui, i ricordi sentimentali di Hitler di lei e i loro continui litigi, ma anche il loro affetto reciproco, finiscono bruscamente quando il motore della barca si inceppa. Con la barca fuori uso e madre e figlio completamente in panico, improvvisamente si scopre che a bordo c’è un clandestino. Se da un lato Peter si sente attratto verso lo straniero, sua madre teme invece di perdere il senso di civiltà e di nazionalità. Tutto a un tratto, la piccola imbarcazione diventa un teatro di violenza e di omicidi. In "Glaube, Liebe, Tod" Peter Kern critica sia la paura data dallo "scontro di civiltà" che l’incapacità di amare.

Humour, ironia e osservazioni taglienti come rasoi sono le sue armi liberatrici contro il pregiudizio bigotto, mentre lo stile di vita omosessuale, i cliché gay, la sensibilità maschile, i desideri e le frustrazioni, le nevrosi urbane, l’influenza del passato e della religione sulla società sono i temi che Ralf König, il più noto illustratore di fumetti della Germania insieme a Moers e Brösel, ha fatto propri. Il documentario "King of Comics" rende omaggio ad un artista all’apice della sua creatività. La vita di König e la sua arte sono strettamente intrecciate con l’emergente comunità gay degli anni Settanta. Tutto ebbe inizio in un villaggio in Westfalia, dove, in tenera età, il disegno lo ha aiutato a fare outing. I suoi "scarabocchi adolescenziali" (sic) ben presto si sono evoluti in uno stile fumettistico sicuro, ancora impregnato di un senso dell’umorismo che è sia frivolo sia anarchico. I temi e gli interessi di König sono da tempo andati oltre l’omosessualità per abbracciare tematiche più universali e filosofiche e senza dubbio l’artista continuerà a sondare le profondità della convenzione sociale "ad absurdum".

Quando Ayse celebra il suo matrimonio quasi tutti nel suo villaggio in Turchia credono che abbia sposato Hasan, che è solo pochi anni più vecchio di lei. Ma in realtà, viene mandata a Vienna come seconda moglie del padre di Hasan, Mustafa. Arriva in Austria e riceve un’accoglienza mite da parte della sua nuova famiglia. In un primo momento, i figli di Mustafa, alcuni dei quali sono più vecchi di Ayse, voltano le spalle alla ragazza. Solo Fatma, moglie di Mustafa da molti anni e che ora sta morendo di cancro, sembra sinceramente contenta: così infatti la famiglia può assicurarsi qualcuno che succeda a Fatma nel ruolo di moglie fedele ed obbediente musulmana.
Nasce così un’amicizia speciale tra le due donne, ma questo rapporto verrà presto messo alla prova quando la famiglia dovrà affrontare un colpo del destino.
Il regista Umut Dag descrive il complesso microcosmo di una famiglia turca a Vienna, mostrando una grande sensibilità nell’indagare il rapporto tra il vecchio e il nuovo, lealtà e amicizia, senza la paura di affrontare emozioni profonde.

"L’Age Atomique" fa un viaggio nella vita notturna parigina per terminare nell’abbandono e nella delusione di una foresta remota all’alba. Cosa stanno cercando Victor e Rainer quando di notte prendono un treno verso il centro apparentemente claustrofobico di Parigi? Il paradiso artificiale di un night club, divertimento, sesso, droga, ma anche oblio. Piena di profonda tristezza e malinconia, questa non è la Parigi della razionalità e dei lumi, ma un luogo pericoloso dove incontri occasionali, preoccupazione, noia e frustrazione possono improvvisamente trasformarsi in aggressività, violenza e disgregazione emotiva. Seguiamo i due amici nel loro viaggio notturno, che diventa sempre più carico di un erotismo inespresso attraverso la gestualità e lunghi sguardi. Da un punto di vista formale e per le tematiche che affronta, "L’Age Atomique" ricorda i film di Robert Bresson e di Gus Van Sant. In tutto questo, la regista, Helena Klotz, non pretende di comprendere appieno i suoi personaggi – qualcosa di fondamentale rimane misterioso, sfugge ad una spiegazione – ma ci invita comunque a dare un’occhiata più da vicino ad oggetti e persone.

Claudia e Dylan hanno una relazione tutto sommato felice. Tuttavia Dylan si convince che la Berlino queer deve sicuramente avere qualcosa in più da offrire rispetto ad una relazione lesbica monogama. Così le donne decidono di partire per un viaggio di scoperta: Dylan scopre un nuovo club del sesso, dove giovani donne amichevoli la aiutano a tracciare la propria mappa erotica. Dal canto suo, Claudia diventa Claude e, presso l’hotel in cui lavora, incontra Helen, matura e attraente, con la quale scopre un nuovo approccio all’amore. Stare con Claude fa quasi dimenticare ad Helen che lei è venuta a Berlino per vendicarsi di suo marito Hans, sessualmente ormai poco presente, e per vedere sua figlia Dylan. Alla fine, tutto e (quasi) tutti si ritrovano in un letto d’albergo… La famosa regista underground americana Cheryl Dunye ha un debole per il sesso, il divertimento, le sfumature di genere e il superamento dei tabù. Si diletta così nel racconto umoristico del viaggio sessuale di tre donne che è sia un punto di riferimento sia un’auto-interpretazione queer di uno scenario pornografico. La Dunye è nota al pubblico della Berlinale per "Donna Anguria" (1996), vincitore di un Teddy. Torna poi sulle scene nel 2010 con "I Gufi".

Facendo della trasgressione un principio comico, questa farsa turbolenta sui sex toys e su cliché e stereotipi si è rivelata un successo inaspettato in Serbia e in altri paesi della ex Jugoslavia. In "Parada" un’operazione salva-vita eseguita sul terrier pitbull di un gangster unisce due mondi molto diversi: il machismo vecchio stampo incontra l’ossessione tipicamente gay per l’interior design, l’omofobia incontra un arcobaleno di generi sessuali ed alcuni ex nemici, come serbi, musulmani bosniaci, kosovari-albanesi e veterani della guerra croata, che si trovano costretti a formare un tenue legame con un gruppo di attivisti gay. Questo gruppo eterogeneo viene inviato in una missione impossibile e suicida, probabilmente per proteggere da un eventuale assalto un nuovo tentativo di organizzare un Gay Pride, a causa della paura generata dai nazionalisti e dalle organizzazioni neonaziste: l’obiettivo è rendere l’evento un successo. Questo film di Srdjan Dragojevic getta uno sguardo sulle strategie di sopravvivenza messe in atto dai gay in Serbia e in una società che ancora oggi, anni dopo la guerra dei Balcani, è ancora frammentata e spaccata in due. Come ci si aspetterebbe da ogni commedia degna di questo nome, non importa quanto tumultuosa sia la trama, nella vita reale la tragedia è sempre in bilico sullo sfondo, a pochi passi.

Ulrike Ottinger è un’artista e regista eccezionale. Il suo universo cinematografico ha influenzato intere generazioni. Come giovane donna, ha portato il mondo internazionale dell’arte alla sonnolenta cittadina di Costanza. Tutto è cominciato sulle rive del Lago di Costanza, dove è nata Ulrike Ottinger e dove ancora spesso passa il tempo. La regista Brigitte Kramer ha scelto di far cominciare il suo film sul Lago di Costanza dal momento che anche lei è nata lì e a sua volta prova un grande amore per queste acque. Questo è anche il luogo dove proprio lo sviluppo artistico della regista ha avuto inizio, grazie anche all’incontro con la Ottinger e con il suo lavoro. Altri compagni di viaggio e amici che compaiono in questo film sono Katharina Sykora, storica dell’arte, il collezionista e curatore Ingvild Goetz, lo storico del cinema Ulrich Gregor ed il filosofo e attore Bernd Scherer Irm Hermann. Servendosi di questo terreno comune come punto di partenza per un’esplorazione dell’opera della Ottinger, questo documentario offre uno sguardo appassionato nella vita dell’artista e del suo lavoro. Nel 2011, la produzione creativa di Ulrike Ottinger è stata celebrata in due importanti mostre personali e retrospettive dei suoi film, ha anche ricevuto il Premio Hannah Höch. Inoltre, la Berlinale di quest’anno onorerà Ulrike Ottinger con lo Special Teddy – Queer Film Award.

"Among Men – Gay in East Germany" affronta la questione di come vivevano gli uomini gay e potrebbero vivere la loro vita sotto il "socialismo reale", in cui l’ideologia GDR considerava l’omosessualità come un residuo della decadente moralità borghese e la reputava dannosa per una società socialista. In questo documentario incontriamo sei uomini che parlano apertamente delle loro esperienze sociali e intime, alcuni di loro per la prima volta, e conosceremo svariate persone molto diverse tra loro, in modo quasi contraddittorio. A un estremo c’è Frank Schäfer, un barbiere ed individualista scaltro e intraprendente, dall’altra, Eduard Stapel, un teologo accademico, che ha fondato una rete GDR a livello di associazioni omosessuali e sul quale Stasi ha messo gli occhi. Anche se l’omosessualità non era più stata punita dagli anni Cinquanta, la congiura del silenzio, la pressione a conformarsi alla società e alla discrezione sessuale sono rimaste. "Among Men" ci presenta una serie di uomini forti e volenterosi, che sono stati obbligati a scendere a patti con la loro omosessualità, ciascuno con le proprie strategie, molto diverse tra loro ma tutte finalizzata alla mera sopravvivenza.

"Attivista nato", Vito Russo è stato un critico cinematografico di New York, sceneggiatore e attivista LGBT. Per decenni è stato una delle personalità più carismatiche, eloquenti ed ispiratrici del movimento gay americano post-Stonewall. Ha guadagnato la fama per le sue performance dal vivo tratte dalle lezioni del suo libro del 1981 "Lo schermo velato", che ha esplorato la rappresentazione dell’omosessualità nel cinema ed è diventato oggi uno standard di partenza sull’argomento. E’ stato un ospite del Panorama della Berlinale nel 1984, per la proiezione del film omonimo per il quale i registi Rob Epstein e Jeffrey Friedman hanno vinto il Teddy Award nel 1996. Russo era la forza trainante di tre organizzazioni sulla politica, l’arte e lo spettacolo: la Gay Activists Alliance (GAA), la Gay & Lesbian Alliance Against Defamation (GLAAD) e ACT UP, un gruppo impegnato nella lotta contro l’Aids. Una ricca selezione di materiale d’archivio e le dichiarazioni da parte di amici e attivisti hanno reso possibile questo ritratto di un individuo energico e instancabilmente attivo che resta una figura imprescindibile della memoria queer. Vito Russo è morto di Aids nel 1990.

Dopo essere stata in prigione, Francine si stabilisce in una piccola città del Nord America. Barcamenandosi tra una serie di lavori temporanei, cerca di riconquistare una posizione nella società. Tuttavia, questa sicurezza si rivela effimera e superficiale come i rapporti che cerca di instaurare con le persone che vivono in città. Dato che i suoi rapporti umani vacillano, Francine cerca il sostegno degli animali, cosa che la conduce in una direzione tragicamente sbagliata.
La prima fiction di Brian M. Cassidy e Melanie Shatzky FRANCINE si concentra sulla figura del titolo analizzando un breve capitolo nella sua vita. Il premio Oscar Melissa Leo riesce a veicolare i desideri e le sventure della protagonista in difficoltà con notevole precisione, offrendo una prestazione molto buona. La narrazione non fornisce alcun background psicologico, perché il film cresce sempre di più attorno a questa persona fragile, la cui vita non ha un chiaro percorso, ma consiste piuttosto in una serie di stati emotivi. Man mano che la protagonista si muove attraverso luoghi spettacolari, il suo cammino di vita è molto simile a un satellite orbitante: distaccato, solitario e, infine, destinato a bloccarsi.

Uno studio. Un uomo e una donna. Immagini in movimento sullo schermo, che lui commenta, stimolato dalle domande di lei. Tutto il filmato è stato girato dalla finestra di un appartamento: vista sulla strada, la metro in costruzione, il canale, le finestre dei palazzi di fronte. L’appartamento appartiene all’amante dell’uomo, l’uomo è un ospite, che vi trascorre le notti, ma mai i giorni. Al lato del canale, alcuni giovani afghani, stanno costruendo alloggi di fortuna mentre l’uomo li osserva, sentendo una crescente simpatia per loro. Le stagioni si susseguono, inverno, primavera, estate.
L’attrice Eva Truffaut e il regista Vincent Dieutre stanno parlando d’amore. Il tono della loro conversazione è sommesso, poco più che un sussurro. Anche se la telecamera è fissa sul mondo oltre la finestra, anche ciò che resta dietro è importante. I rumori provenienti sia dall’interno che dall’esterno. Simon, l’amante, attivista sindacale e per i diritti civili, suona il pianoforte. Per Dieutre, è stato un eroe. "Simon mi ha insegnato ancora una volta cos’è la compassione". La relazione è finita, si parla di lui al passato, con tenerezza e molto rispetto. E’ solo la chiave dell’appartamento di Simon a Parigi, alla stazione della metropolitana Jaurès, che lui non ha mai posseduto.

La scolara Tsubara è stranamente ossessionata dalla sua goffa insengnante di biologia Madoka. Mentre il resto della classe risponde alla mancanza di autorità della docente con clamore e disattenzione, lei pende dalle sue labbra, riempiendo il suo taccuino con schizzi e osservazioni sulle sue stranezze e peculiarità. Un giorno, prende finalmente coraggio e approccia Madoka nel suo ufficio, episodio che si traduce inspiegabilmente nello scambio degli organi sessuali da parte delle due donne. Le due si dirigono verso il paese per nascondersi, ma vengono presto scoperte da due compagni di scuola di Tsubara: En, che è segretamente innamorato di lei, seguito da Maru a sua volta attratta da En.
"Koi ni Itaru Yamai", con spirito irriverente e una buona dose di originalità, capovolge i cliché del genere "studentessa giapponese", facendo infine saltare i quattro protagonisti tutti assieme in una coreografia bizzarra. I nomi dei personaggi rappresentano diverse letture del simbolo giapponese per "cerchio". Esordio alla regia del giovane regista Kimura Shoko, questo è senza dubbio un cerchio di amanti davvero curioso: queer, stridente e sorprendentemente serio allo stesso tempo.

Ksawery e Karolina sono andati a trovare Jan al suo paese. Ksawery è un ballerino che si esibisce come drag queen e Karolina è il suo agente. Jan è il nonno di Ksawery. Ksawery è gay, Karolina ebraica. Jan custodisce un oscuro segreto sulla Shoah.
A prima vista, un gruppo quasi divertente per una storia di vittimismo e colpevolezza. Ma non è così semplice.
L’identità qui è composta da diversi strati, che non sempre si armonizzano in base alle conoscenze preesistenti e alla fedeltà. Come tale, l’amore di Jan per suo nonno è in conflitto con la sua voglia di scoprire cosa è successo tanti anni prima. Il film si basa su una gamma adeguatamente eterogeneo di artifici visivi e narrativi per esprimere la diversa natura dei rapporti tra i tre protagonisti e diversi strati che formano le loro identità: la tenerezza insieme con la violenza, la normalità quasi casuale a fianco dell’estrema artificialità. Ksawery dice a un certo punto "Sono un cadavere, io sono morto dentro". "Sekret" innesta nella nostra identità, trasmessa dalle generazioni precedenti, un processo che può ferire ma anche guarire.

Carlos sta trascorrendo l’estate in campagna con la sua famiglia per dare una mano. Sta pensando di non tornare in città, in quanto le prospettive economiche non sono rosee neanche lì. L’Extremadura d’altra parte, scarsamente popolata e per lungo tempo una delle regioni più trascurate d’Europa, sta cercando di risollevarsi. Il turismo e l’ammodernamento si stanno inserendo tra costumi quasi arcaici e una popolazione per lo più di anziani.
"Sleepless Knights" rappresenta tutto questo in modo discreto, quasi casuale, attraverso immagini che hanno a volte una bellezza davvero ultraterrena. Il tema centrale è la storia d’amore tra Carlos e il giovane poliziotto Juan. "Non sembri del posto", sottolinea Juan quando si incontrano. "Io non sono di qui", risponde Carlos, "Io vivo a Madrid." Restare o ripartire è una decisione che qui interessa molti. Extremadura, Madrid, forse anche Monaco di Baviera? Questa incertezza pervade la loro storia d’amore con un peculiare senso di tensione, sullo sfondo di un’estate apparentemente tranquilla e rilassata. Ma sono solo gli anziani che si muovono lungo il paesaggio austero, nei loro strani costumi cavallereschi, che rimangono beatamente sereni.

Daniela è una giovane e graziosa adolescente cresciuta in una famiglia di severi e onesti evangelici abitanti a Santiago, in Cile. A 17 anni Daniela scopre che la sua inclinazione sessuale è incompatibile con la fede della sua religione. Senza alcuna speranza per i suoi desideri e per il suo futuro, alla fine, ribelle per natura, si decide ad entrare nella comunità underground di un blog di giovani che si dimostrano molto liberi sessualmente. Mentre sul web si comporta come una fornicatrice, nella vita famigliare continua a mostrarsi religiosa e ad andare in chiesa, dove prega Gesù con queste parole: "Mio Signore, controlla bene che a mia madre non venga mai in mente di digitare youngandwild.blogspot.com!"

Intensa e complessa storia di amore, sesso e droga che coinvolge 10 anni della vita di una coppia gay. Uno, Erik Rothman (Thure Lindhardt) è un regista di documentari, gay dichiarato, l’altro, il bellissimo Paul Lucy (Zachary Booth), è un velato avvocato che lavora nel settore pubblicità. S’incontrano nel 1997 in una dinamica New York City, fanno subito sesso ma contemporaneamente nasce qualcosa di più. S’innamorano e iniziano una intensa relazione. Decidono di mettere su casa insieme, convivono, si amano follemente ma ognuno continua privatamente a combattere contro i propri diavoli, sesso e tossico dipendenza compresi. Un film che ci racconta in modo onesto e credibile le problematiche di una coppia gay contemporanea. Sesso, amicizia, intimità e soprattutto amore vengono mostrati senza inibizioni e con molta naturalezza. Il regista e scrittore Ira Sachs vive abitualmente a New York e nel 2005 ha vinto il Gran Premio della Giuria al Sundance (Forty Shades of Blue) mentre nel 2010 il suo corto "Last Address" sulla vita di un gruppo di artisti newyorkesi morti di aids è entrato nella collezione permanente del Whitney Museum of American Art and MoMA e sarà presentato alla prossima biennale veneziana. "Keep the Lights On" avrà la sua prima mondiale al Sundace 2012 ed è stato selezionato per la prossima Berlinale.